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Hello, this is Nisreen! Welcome to the first episode of Season Three of my podcast. It’s lovely to speak with you again.
The other day, I was searching online for a definition of art. Even though I identify as an artist, it’s difficult to define art because it depends so much on cultural context. One theory presented in an Encyclopaedia Britannica article resonated with me, though. It states, quote unquote, “Artists past and present keep alive for us humankind’s natural potential for beauty and power and help future generations to examine the fundamental mysteries of life and death, which we both fear and desire to know.”
Today, I’d like to talk about three pieces of art that explore these mysteries in profound ways: one painting, one manga, and one piece of literature. I hope you enjoy it!
* The thumbnail for this episode is my study of painting ` Death and the Maiden` (1908) by Marianne Stokes.
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Hello, this is Nisreen! Welcome to the first episode of
Season Three of my podcast. It’s lovely to speak with you again.
The other day, I was searching online for a definition of
art. Even though I identify as an artist, it’s difficult to define art because
it depends so much on cultural context. One theory presented in an Encyclopaedia
Britannica article
resonated with me, though. It states, quote unquote, “Artists past and
present keep alive for us humankind’s natural potential for beauty and power
and help future generations to examine the fundamental mysteries of life and
death, which we both fear and desire to know.”
Today, I’d like to talk about three pieces of art that
explore these mysteries in profound ways: one painting, one manga, and one
piece of literature. I hope you enjoy it!
1. Death
and the Maiden (1908) by Marianne Stokes
First, let’s look at the stunning Pre-Raphaelite oil
painting by the French artist Marianne Stokes. Death and the Maiden is a
common
artistic motif from the Renaissance era.
What’s innovative about this particular piece, though, is how both Death and
the Maiden are portrayed as beautiful young women. This clearly opposes classic
portrayals, where Death is depicted as a skeleton or a lewd abductor, and the
Maiden is depicted as a passive object.
Death’s skin is green, with no sign of blood, yet her eyes
and hands show delicacy and dignity. The Maiden looks hesitant but respectful,
leaning slightly towards Death. One of Death’s black wings supports the
Maiden’s back as if carrying her. It feels as though I can hear Death solemnly
notifying the Maiden that her time has come, and the Maiden answering with a
trembling voice. There’s a conversation between them—this is not just about
power dynamics. This nuanced depiction of death truly resonates with me,
because death is an invincible force, but also an essential part of life—not
something alien.
The use of colour is also effective. The striking red of the
bedcover is pulled taut between the Maiden’s hands and Death’s weight on the
bed, suggesting her life is in danger. Small details, such as the falling
flower petals from the vase and the shining pearls on the bedside table,
emphasise the Maiden’s earthly life now under threat. This is a perfect example
of the mastery of symbolism used to tell a story—on canvas.
2. The
Heart of Thomas (1974) by Moto Hagio
This compelling story was written and illustrated by
legendary Japanese manga artist Moto Hagio. Her delicate art style and complex
storytelling transformed the norms of shōjo manga that is manga aimed at
adolescent girls and young women-in the 1970s. The story is set in Germany,
sometime in the latter half of the 20th century. Fourteen-year-old Thomas
Werner falls to his death from a lonely pedestrian overpass after sending a
note to a schoolmate:
To Juli, one last time
This is my love
This is the sound of my heart
Surely you must understand
The story unfolds in a grim but poetic way, centring on Thomas’
death . What’s remarkable is how it captures the emotional process of healing from
trauma among adolescents. Hagio uses manga’s unique strengths to the
fullest—symbolic and fantastical depictions of the characters’ emotional
journeys, such as transforming them into angels or layering tree leaves with
human faces, work perfectly to delve into their sensitive inner worlds. The
balance of black and white in her illustrations is reminiscent of Arthur Beardsley.
I read this brief but profound story as a teenager myself
and loved it so much I even made my husband read it. He enjoyed it, though his
only complaint was that “the boys were too small and adorable to be European
teenage boys.” This is true, and it reflects an important piece of cultural
context: the rigid gender norms Japanese girls and women faced at the time. Shōjo
manga of the era often used androgynous, “foreign” boys to explore taboo
subjects like sex, trauma, and abuse—topics young women were not even supposed
to think about. In other words, these characters weren’t meant to be realistic
boys, but incarnations of the girls themselves. Hagio even discusses this in
her essay Ichido
Kiri no Ōizumi no Hanashi.
In that sense, the story may be a bit hard to access if
you're outside that cultural context. However, if you appreciate psychological
drama with poetic artwork, you’ll definitely enjoy it.
3. Death in Venice
(1912) by Thomas Mann
Lastly, let’s focus on Death in Venice, a classic
novella by German author Thomas Mann.
You may remember the famous film adaptation by Luchino
Visconti, especially with Gustav Mahler’s music in the background. The original
book has a much more metaphorical and ironic tone, in contrast to the romantic
and tragic mood of the film.
The main character, Gustav von Aschenbach, is a
distinguished author in his early fifties, recently ennobled in honour of his
artistic achievements. A man of intense discipline, he was widowed at a young
age. The story follows his vacation to a beautiful coastal hotel in Venice,
Italy.
Mann’s original intention was to write about “passion as
confusion and degradation,” inspired by Goethe’s real-life infatuation with
17-year-old Baroness Ulrike von Levetzow. However, motifs such as a reasonable man
losing himself in passion, or the tension between art and order, are themes
Mann explored in earlier works too—Little Herr Friedemann (1898), Buddenbrooks
(1901), Tonio Kröger (1903).
What I love about Mann’s writing is how he recognises ironic
humour even in tragic situations. In Death in Venice, death is not only
loss, but a metaphor for the fragility people feel when moved by the desire to
love and be loved. If you’ve ever been in such a situation yourself, the
characters’ experiences may feel painfully familiar.
It also made me wonder: does creating art help when you're
truly struck by passion or beauty in real life? Reading Death in Venice
can be a profound way for artists to connect with their own vulnerability.
So there you have it—I introduced three pieces of art today:
Death and the Maiden, The Heart of Thomas, and Death in Venice.
These masterpieces will absolutely help you explore the universal theme, death
in art!
How did you find today’s episode? I hope you enjoyed it! If
you did, please consider leaving a review or comment. Liking and subscribing to
my YouTube channel would be more than welcome.
Thank you so much for listening. Goodbye for now!
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こんにちは、ニスリーンです！私のポッドキャスト、シーズン3の最初のエピソードへようこそ。
先日、アートの定義をネットで検索していました。アーティストである私にとっても、アートを定義するのは難しいです。それは背景となる文化によっても変わってくることだからです。
今日は、これらの謎を深く探求する3つの芸術作品についてお話したいと思います。絵画１作、漫画１作、文学作品１作になります。
※サムネイルは私がマリアンヌ・ストークスによる絵画「死と乙女」(1908)を研究のために真似て描いたものです。
こんにちは、ニスリーンです！私のポッドキャスト、シーズン3の最初のエピソードへようこそ。また皆さんとお話できてうれしいです。
先日、アートの定義をネットで検索していました。アーティストである私にとっても、アートを定義するのは難しいです。それは背景となる文化によっても変わってくることだからです。しかし、ブリタニカの記事で紹介されていた一説は、私の心に響きました。引用すると、「過去も現在も、アーティストは美と力にまつわる人類本来の可能性を私たちのために生かし続け、私たちが恐れ、また知りたいと願う生と死の根源的な謎を未来の世代が考察する手助けをしている」というものでした。
今日は、これらの謎を深く探求する3つの芸術作品についてお話したいと思います。絵画１作、漫画１作、文学作品１作になります。お楽しみいただければ幸いです。
1. 死と乙女
(1908) Marianne Stokes
まず、フランスの画家マリアンヌ・ストークスによる素晴らしいラファエル前派の油彩画を見てみましょう。「死と乙女」はルネサンス時代によく描かれた芸術的モチーフです。しかし、この作品が斬新なのは、死も乙女も美しい若い女性として描かれていることです。これは、死が骸骨や汚らしい誘拐犯として描かれ、乙女が受動的な対象として描かれてきた古典的な描写とは明らかに対照的です。
死の皮膚は緑色で、血の気がありませんが、彼女の目元と手には繊細さと威厳が見て取れます。乙女はためらいながらも尊敬の念を抱き、死の方にわずかに身を乗り出しているように見えます。死の黒い翼は乙女の背中を支えています。死が乙女にその時が来たことを厳粛に告げ、乙女が震える声でそれに答えているのが聞こえるような気がする描写です。
二人の間にあるのはただの力関係ではなく、対話なのです。死はあらがえない力であると同時に、ただの敵ではなく生きることの一部ですから、この微妙な描き方は説得力があります。
色の使い方も効果的です。赤色が印象的なベッドカヴァーは、乙女の手とベッドの上の死の体重の間で引っ張られており、彼女の命が危険にさらされていることを示唆しています。花瓶から落ちる花びらやベッドサイドテーブルの真珠の輝きといった細かい描写は、乙女の地上での生活が今脅かされていることを強調しています。
この作品は、絵を通して物語を紡ぎだすことができる象徴主義の可能性を見事に印象付ける名作といえます。
この魅力的な物語は、伝説的な日本の漫画家、萩尾望都が物語と作画を手掛けた漫画です。彼女の繊細な画風と複雑な物語構成は、1970年代に少女漫画の常識を変えました。なお、少女漫画とは主に思春期の少女や若い女性に向けた漫画ジャンルのことです。
物語の舞台は20世紀後半のドイツです。14歳のトーマ・ヴェルナーは、同級生に不思議な手紙を送った後、寂れた陸橋から転落死してしまいます。
ユリスモールへ
さいごに
これがぼくの愛
これがぼくの心臓の音
きみにはわかっているはず
物語はこのトーマの死を紐解いていく形で陰鬱に始まりますが、美しく詩的な言葉で紡がれていきます。この物語が素晴らしいのは、思春期の子どもたちのトラウマが癒されていく過程を、見事にとらえている点です。
作画についても、漫画という手法の強みを最大限に活かしています。登場人物を天使に変身させたり、木の葉に人の顔を重ねたりといった幻想的な表現を使用することで、登場人物たちの繊細な内面世界を掘り下げているのです。彼女の絵の白と黒のバランスは、時にアーサー・ビアズリーを彷彿とさせるものです。
私自身、10代の頃にこの短いけれども深く心に残る物語を読み、大好きな作品になりました。夫にも読んでもらったほどです。彼もよい読書体験になったといっていましたが、「ヨーロッパの10代の少年というには、トーマたちはあまりにもあどけなく、かわいらしすぎる 」ということが気になったそうです。これはその通りですが、この作品が生まれた文化的背景を反映しています。
当時の日本の少女や女性は、より厳格なジェンダー規範の抑圧の中で生きていました。よって、当時の少女漫画は、性やトラウマ、虐待といった、女性が堂々と語ることができないテーマを取り上げる際に、中性的な「異国」の少年登場人物をしばしば登場させていました。言い換えれば、これらのキャラクターたちは現実的な少年ではなく、少女たちの化身として登場していたのです。萩尾氏はエッセイ『一度きりの大泉の話』の中で、このことに触れています。
その意味では、この文化的背景になじみがない方にとって、この物語は少々とっつきにくいかもしれません。しかし、詩的な絵柄や、心理ドラマがお好きな方なら、間違いなく楽しめる作品だと思います。
最後に、ドイツの作家トマス・マンによる古典的小説『ベニスに死す』を取り上げたいと思います。
ルキノ・ヴィスコンティ監督による有名な実写映画を、グスタフ・マーラーの音楽とともに思い出される方も多いのではないでしょうか。しかし映画のロマンティックで悲劇的なムードとは対照的に、原作はもっと寓話的で、皮肉なトーンを含んでいます。
主人公のグスタフ・フォン・アッシェンバッハは50代前半の著名な作家で、その芸術的業績を称えられたばかりです。極端なほどに己を律して生きる彼は、若くして配偶者を亡くしています。物語は、彼がイタリアのヴェニスにある美しい海岸沿いのホテルで過ごす休暇を主に描いています。
マンの意図は、ゲーテが17歳のウルリケ・フォン・レヴェツォウ男爵夫人と熱烈な恋に落ちたという実話から着想を得て、「混乱と堕落としての情熱」について描くことだった言います。しかし、理性的な人間が情熱の中で自らを見失う、あるいは芸術と秩序の葛藤といったモチーフは、マンがそれ以前の作品（『小フリーデマン氏』（1898年）、『ブッデンブローク家の人々』（1901年）、『トニオ・クレーガー』（1903年））の中でも繰り返し探求してきたテーマでもあります。
マンの文章で私が特に好きなのは、悲劇的な状況さえも皮肉なユーモアをもって観察するセンスです。『ベニスに死す』では、死は単なる喪失ではなく、愛し愛されたいという欲望に突き動かされたときに人がどれほど脆いものかということの象徴として描かれます。
もしあなた自身がそのような状況に陥ったことがあるなら、登場人物たちの経験が痛いほど身近に感じられるかもしれません。
現実に、情熱や美に徹底的に打ちのめされた時、アートを創り出すことは果たして助けになるでしょうか？『ヴェニスに死す』を読むことは、アーティストが自分自身の脆さと向き合い、自身の根源とつながるための深い方法となりえるはずです。
というわけで、今日は3つの作品をご紹介しました。「 死と乙女」、「トーマの心臓」、そして「ベニスに死す」です。これらの名作は、芸術における死という普遍的なテーマを探求する上で、間違いなく強力な道しるべとなることでしょう。
ここまで聴いていただき、本当にありがとうございます。今日のエピソードはいかがでしたか？もし楽しんでいただけたなら、レビューやコメントをいただけますととても励みになります。私のYouTubeチャンネルに「いいね！」や「チャンネル登録」をしていただけるのも大歓迎です！
それではまたお耳にかかれることを楽しみにしております。
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