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Friday, July 5, 2024

[Bilingual post] Podcast Ep.14- ‘A Tryst With Destiny in Japan’ -Biography by the First Indian-descendant Politician in Japan- /ポッドキャスト Ep.14 「日本に導かれた運命」-日本初インド系政治家の自叙伝ー

     Japanese follows English/日本語は英語の後に記載

Hello, this is Nisreen! Welcome to the 14th episode of my podcast!  Its lovely to speak to you again.

This time, I’d love to talk about an insightful book I ordered from Japan -- called ‘日本に導かれた運命’ or A Tryst With Destiny in Japan.’ It is a biography written by the first Indian-descendant politician in Japan, Mr. Yogendra Puranik. I wanted to introduce this book to everybody because it poses an important question- how can we create a society where ethnically and nationally diverse people happily live together? 

Please find the audio file and the full script below.

The episode is also available on Apple Podcasts and Spotify. Please let me know your thoughts via social media or the contact form below.

-Reference-

Yogendra Puranik Website

Immigration and Residence Management Agency Number of foreign residents at the end of 2023 (Japanese)

-Script-

Hello, this is Nisreen! Welcome to the 14th episode of my podcast!  It’s lovely to speak to you again. 

This time, I’d love to talk about an insightful book I ordered from Japan -- called ‘日本に導かれた運命’ or ‘A Tryst With Destiny in Japan.’ It is a biography written by the first Indian-descendant politician in Japan, Mr. Yogendra Puranik. I wanted to introduce this book to everybody because it poses an important question- how can we create a society where ethnically and nationally diverse people happily live together? The book is in Japanese; an English version is expected to be published as well. I learned about this book through a social media post by a classical Indian dance /Mohiniyattam performer from Japan, Hiromi Maruhashi



First, who is Yogendra Puranik? His life history is one of the most interesting ones I’ve ever encountered.  He is from Ambernath, a small village in Western India. He studied in Japan in the late 1990s. After finishing his university education in India, he migrated to Japan in 2003 and established a career as an IT businessman. He eventually initiated various volunteer works and restaurant business as a cultural bridge between migrants and local people. With the extension of these social activities, he became an Edogawa ward council member in Tokyo in 2019. In 2023, he also took over as a state school headmaster. He is also a single father to a son whose mother is Chinese. 


I’d love to list three points that make this book insightful in the global sense.


1: It shows reality from an immigrant’s point of view

The initial chapters about Mr. Puranik’s early days in a small village in Western India are fresh and warm, with lots of cultural anecdotes. On the other hand, in the later chapters, where he lives in Japan, Mr. Puranik provided sharp analysis and humourous insights into his busy life as an immigrant businessman, a social worker, and the father of a non-Japanese child growing up in Japan. It draws the realistic view of modern Japan we rarely find in the mainstream media in English. Many people, especially in the west, assume Japan is a homogenous Zen wonderland as shown in some Anime. In reality, Japanese society is as complex as any society, though it is true that collectivism is highly valued. Furthermore, the population of immigrants in Japan, especially Tokyo, is rising. According to the website of Japan’s Immigration Service Agency, Tokyo has 663,362 non- Japanese residents. This is 11.3 percent higher compared to the year before.  Unfortunately, the way the Japanese government is handling cultural diversity is far from great. For example, Mr. Puranik states the difficulties he witnessed in the immigrant community, such as a poor Japanese language support for non-Japanese children in schools, a lack of vegetarian options, or an absence of assistance for foreign residents when northern part of Japan was hit by the earthquake in 2011. It was particularly heartbreaking for me to read the part where his ex-wife from China was treated poorly by the immigration service in Japan, and she ended up being traumatised.


2: It emphasises the importance of courage and compassion.

Despite all the obstacles he faces, ‘pessimistic’ is the least suitable word for this book.  It’s incredible to read how he takes actions to improve the situation for people around him.  For example, the public housing where he lived had a large population of Indian workers. Many of them were facing a language barrier and difficulty in understanding different cultural expectations in everyday life. He started supporting them and answering questions via social media and email for free. He even opened a computer workshop for elderly residents. I found the compassion and patience towards other people that allowed him to become the cultural bridge between the two countries truly admirable. 


I also loved the bit where he opened a Western Indian home-style restaurant with his mother in Tokyo, and didn’t include naan on the menu, despite knowing they are very popular in Japan. According to him, naans are not very healthy, and not a major part of genuine Indian home meals. And a little coincidence- I realised that I had visited his restaurant once, around a decade ago! I remember that the meal was very tasty.


3: It suggests an integrative model of multicultural society.

Mr. Puranik suggests three keys to the harmonious and diverse community: self-support, co-support, public support: self-support meaning immigrants’ effort to learn the Japanese language, socialise with Japanese people, and assimilate with the Japanese cultural habits. Co-support refers to attempts to mix different cultural groups and join various activities together. And public support indicates systemic support by the government and embassies to fulfill the diverse immigrants’ demands in medical, educational, legal settings etc. I believe this model is applicable to any multinational society. In addition, the part where he turned down the idea of establishing a ‘Little India’ or an India town in Tokyo truly resonated with me. He suspected that establishment of a separate town would only deepen cultural and economic alienation of Indian immigrants in Japan. He emphasises importance of living in harmony, not having an isolated community. This is true, even in a huge immigrant country like the United States. He also points out how India towns in the US and UK often suffer from poverty or poor education levels. 


This argument also made me think of my own personal experience. I live in a university town in the US, where many international students live. On the surface, it appears to be extremely diverse, with lots of cultural events and activities. I’ve also heard that language support for immigrant children at local schools is quite thorough as well. In that sense, the level of public-support appears to be generally much higher than similar sized towns in Japan. However, every time I join cultural local events, I realise how rare it is to see interactions between different ethnic groups at those events, especially at Asian themed ones. The whole idea of ‘community’ appears to be fixated on the idea of small ethnic categorisations, instead of harmony as one big community. I am not saying that having a solid sense of group identity is a negative thing. The US is especially a country of immigrants, and the nation that has suffered a long history of racial inequality. It is impossible to ignore a person’s ethnic background. I am just saying it would be even more wonderful if we can foster co-support much more and eliminate the sense of division among groups. In terms of diversity and inclusion, the world still has a long way to go. But we can be hopeful as long as we can have compassion to another human next to us, as this book suggested.


What did you think?  I’d be delighted if you write a review of this podcast on Apple Podcasts or rating on Spotify. It would be lovely if you share the episode on social media as well. And of course, you’re more than welcome to let me know your thoughts from the contact form in the description. 

Thank you so much for listening. Goodbye for now! 


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--日本語‐-

こんにちは、ニスリーンです!私のポッドキャスト第14回目のエピソード

へようこそ! 

今回は、私が日本から取り寄せた『日本に導かれた運命』という本についてお話ししたいと思います。日本で最初のインド系政治家、ヨーゲンドラ・プラニク氏の自叙伝です。この本を皆さんに紹介したいと思ったのは、この本が重要な問いを投げかけているからです。どうすれば、多様な民族、国籍の人々が幸せに暮らす社会を作ることができるのか?という問いです。


是非下のオーディオファイルからお聴きください。
Podcasts と Spotifyからもお聴きいただけます。



また下記にスクリプトと関連リンクも載せております。感想などありましたら是非ソーシャルメディアや、連絡フォームから教えてください。

-引用リンク-

ヨゲンドラ プラニク ウェブサイト


--スクリプト--

こんにちは、ニスリーンです!私のポッドキャスト第14回目のエピソード

へようこそ! またお耳にかかれてうれしいです。

今回は、私が日本から取り寄せた『日本に導かれた運命』という本についてお話ししたいと思います。日本で最初のインド系政治家、ヨーゲンドラ・プラニク氏の自叙伝です。

この本を皆さんに紹介したいと思ったのは、この本が重要な問いを投げかけているからです。どうすれば、多様な民族、国籍の人々が幸せに暮らす社会を作ることができるのか?という問いです。この本は日本語で書かれていますが、英語版も出版される予定だそうです。私がこの本を知ったのは、日本出身で、インド古典舞踊/モヒニヤッタムの舞踊家、丸橋広実さんのソーシャルメディアへの投稿がきっかけでした。

まず、ヨーゲンドラ・プラニク氏とはどのような人物なのでしょうか?彼の人生の歩みは、非常に数奇なものです。 彼は西インドの小さな村Ambernathの出身です。彼の日本とのかかわりの始まりは1990年代後半、日本に留学したときに遡ります。インドに戻り、大学教育を終えた後、2003年に日本に移住し、ITビジネスマンとしてのキャリアを確立していきました。やがて移住者と地元住民の文化の架け橋として、さまざまなボランティア活動やレストラン事業を開始。こうした社会活動の延長で、2019年に東京都江戸川区議会議員に就任しました。2023年から県立の中学校の校長も務めています。中国人の女性との間に生まれた息子を持つ、一人の父親でもあります。本書の中で、世界的に通じる優れた視点だと私が感じた点を3つ挙げたいと思います。

 

1: 移民の視点から現実が描かれている

プラニーク氏がインド西部の小さな村で過ごした日々を描いた最初の章は、文化にまつわるエピソードも含みながら、活き活き、ほのぼのとしています。

一方、日本で暮らす後半の章では、移民のビジネスマン、社会活動をする人、日本で育つ外国人の子供の父親としての忙しい生活について、鋭い分析とユーモアを交えて洞察しています。英語の主流メディアではめったに見られない、現代日本の生身の姿が描かれているのです。日本の外、特に欧米では、日本をアニメの世界のように、どこまでも均質かつ夢のような国だと思い込んでいる人も多いです。現実の日本社会は、集団主義が重んじられるのは事実ですが、他のどの社会とも同じように複雑です。

さらに、日本、特に東京の移民人口は増加しています。日本の入国管理局のウェブサイトによると、東京には現在663,362人の外国籍居住者がいるそうです。前年に比べ11.3%増加しています。 ただ、残念ながら、日本政府の文化的多様性への対応は素晴らしいとは言い難いものです。この本の中でも、プラニーク氏が目にした移民社会の中での苦労に触れています。例えば、外国人の子どもたちの学校での日本語サポートが不十分であることや、ベジタリアンの食事の選択肢が少なくて困る人も多いこと、2011年の東日本大震災では、外国人住民のための支援が不足していた様子などです。また、彼の元配偶者である中国出身の女性が、日本の入国管理局でひどい扱いを受け、心に傷を負ってしまったというくだりは、読んでいて特に胸が痛みました。

 

2: 勇気と思いやりの重要性を強調している。

この本の中には、プラニーク氏が直面、または目撃するあらゆる困難について描かれています。それにも関わらず、そのトーンは力強く、悲観的とはかけ離れたものです。周りの人々の状況を改善するため、彼は毎回具体的な行動を起こしています。 例えば、彼が住んでいた社宅にはインド人労働者が多く住んでいましたが、彼らの多くは言葉の壁や、母国とは異なる日本の文化的な期待に応えることに困難を感じていました。そのため、彼はソーシャルメディアやメールを通じて、このような人々に無料で相談に乗り始めたそうです。また、彼は高齢の住民のためにPC教室も開いたそうです。私は、このような他の人々に対する思いやりと忍耐力の積み重ねこそが、両国の文化の懸け橋と呼べるものなのだと強く感銘を受けました。

また、彼が東京で母親と西インド家庭料理レストランを開いたが、日本でナンがとても人気があることを知りながら、メニューにナンを入れなかったというくだりも面白かったです。彼によれば、ナンはあまり健康的ではないし、本物のインドの家庭料理の主要な部分ではないのだそうです。実は読みながら気づいたのですが、私は10年ほど前に一度、彼のレストランを訪れたことがありました。とてもおいしかったのを覚えています。

 

3:多文化共生社会の統合的モデルを提案している。

この本では、自助、共助、公助という三つの組み合わせを提案しています。自助とは、移民が日本語を学び、日本人とかかわり、日本の文化習慣に合わせるなど、移民自身の努力のことを意味します。共助とは、異なる文化グループ同士で交流し、様々な文化活動に一緒に参加する試みを示ます。そして公助とは、医療、教育、法律など様々な側面において、個々に異なる外国籍者の需要を満たすための政府や大使館による制度的支援を指しています。このモデルは、どのような多国籍社会にも当てはまるものだと思います。

また、東京に「リトル・インディア」つまりインド人街を作るというアイデアをプラニーク氏が反対したくだりは、特に印象に残りました。独立したインド人街を作ることは、在日インド移民の文化的・経済的孤立を深めるだけだと彼は考えていたのです。彼は、孤立した少数派コミュニティを持つのではなく、様々な人達が共生することの重要性を強調しています。これはアメリカ合衆国のような移民大国でも同じことだと思います。彼はまた、アメリカやイギリスのインド人街が貧困や教育レベルの低さに苦しんでいるという点も指摘しています。

この指摘は、私自身の個人的な経験も思い起こすきっかけになりました。私が住んでいるアメリカの大学町には、多くの外国人留学生が住んでいます。表面的には非常に多様性に富み、文化的なイベントや活動も盛んなように見えます。また、地元の学校では移民の子供たちへの言語サポートもかなり充実していると聞いています。そういう意味では、日本の同じ規模の町と比べると、公助のレベルは総じて高いように見えます。しかし、地元の文化的な催し、特にアジアを主題とした集まりに参加するたびに、こうした場での異民族間の交流がいかに少ないかに気付きます。「コミュニティ」という言葉を口にするとき、ひとつの大きなコミュニティとしての調和ではなく、民族それぞれの細かい仲間分けの方により拘っているように見えることが多いのです。民族的なアイデンティティをしっかり持つことが悪いと言うつもりはありません。特にアメリカは移民の国であり、人種的不平等の長い歴史に苦しんできた国です。このような社会で、民族的背景を無視することは不可能でしょう。ただ、もっともっと共助を育み、グループ間の分断意識をなくすことができれば、さらに素晴らしいのではないかと思うのです。

多文化共生という目標に対して、私たちは世界的にまだまだ課題を抱えています。けれども、本書が示唆したように、隣にいる誰かに思いやりを持つことができる限り、私たちは希望を持つことができるでしょう。

いかがでしたか?ここまできいていただきまして、本当にありがとうございます。もしこのエピソードを楽しんでいただけましたら、Apple Podcastsでレビューを書いていただけると大変励みになります。もちろん、説明文にあるコンタクトフォームやソーシャルメディアからこの話題についてのお考えを教えていただけるのも大歓迎です。それではまた来週、お耳にかかれますこと、楽しみにしております。


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Friday, May 31, 2024

[Bilingual post] Podcast Ep.9 My Thoughts about the Process of Entering Art Universities in Japan./ポッドキャスト Ep.9 日本の美大受験システムについて思うこと

 Japanese follows English/日本語は英語の後に記載

Hello, this is Nisreen! I uploaded the ninth episode of my bilingual podcast. Today, I' d love to share my thoughts about the process of  entering art universities in Japan. A little bit about my background- in 2011, I finished a bachelor’s degree in graphic design. I graduated from an art university called Tokyo Zokei University, one of the five best-known art universities in Tokyo. I know it’s a long time ago, but I think currently living in the US is giving me more opportunity to reflect on my educational background, because a) people ask me about it more, and b) there is a different culture around art here in the US.

Please listen to the audio file below. It's available on Apple Podcasts or Spotify as well.

I’d be delighted if you write a review of this podcast on Apple Podcasts  or rating on Spotify. It would be lovely if you share the episode on social media as well. And of course, you’re more than welcome to let me know your thoughts about this topic from the contact form

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Hello, this is Nisreen! Welcome to the ninth episode of my podcast! It’s lovely to speak to you again. 

Today, I’d love to share my thoughts about the process of  entering art universities in Japan. A little bit about my background- in 2011, I finished a bachelor’s degree in graphic design. I graduated from an art university called Tokyo Zokei University, one of the five best-known art universities in Tokyo. I know it’s a long time ago, but I think currently living in the US is giving me more opportunity to reflect on my educational background, because a) people ask me about it more, and b) there is a different culture around art here in the US.

The experience I gained during my BA was truly precious and I am nothing but grateful. However, the entrance process was far from easy. Some memories around it still make me emotional even today.  I thought it would be an interesting idea to share three reasons why it was so hard for me, and suggest how it could have been made better. Please keep in mind that my opinions are based on my personal experience, so the situation may be different today. 


Reason1: Costs pile up.

This was the challenge for my parents, rather than myself. The total cost for the full four-year programme was approximately 8 million yen, which is about 60,000 dollars.  Compared to art universities in the US, such as the School of Visual Arts in New York, which costs about 94,000 dollars for a full two-year course, this may not be the worst. But inside of Japan, where the average cost for a private four-year undergraduate course is 4 million yen, or 30,000 dollars, the art university is disproportionately expensive. 

On top of this, in order to prepare for the entrance exams, students have to go to a dedicated tutoring school after school every evening. Those tutoring schools also cost from about 1300 to 3000 dollars per year. I remember when I was preparing for the entrance exam, my parents were literally working day and night to keep up with the relentless payments. Thanks to them, I was in a privileged position, where I was able to fully concentrate on my art and regular school studies. As my highschool prohibited students from having a part time job, if my household had had financial challenges, I wouldn’t have even thought about going to art university. The university’s website indicates the options for scholarships, but they only cover about 10 percent of the yearly cost. Though the only state art university in whole Tokyo, Tokyo Art University, is less expensive, the acceptance rate is only about 30 percent.  Most students fail the entrance exam and spend years trying to get in, which ends up costing extra tutoring fees. On the whole, I wish there was more systematic support for art students and their families.  


Reason2: The course options are inflexible.

The start of my journey to art university dates back to my childhood. I was a girl who was perfectly happy as long as I had a small piece of paper and a pencil. My unlimited love for visual art and drawing led me to believe I should pursue a degree in art. However, when I finally became a teenager and looked at the undergraduate programmes, I felt lost. Tokyo Zokei University had one fine art course, but required an in-person test on oil painting, in addition to pencil sketching and an academic test. Though I enjoyed oil painting at art school when I was a child, I had eventually stopped as I didn’t have the proper space to really work on it. To those of you who don’t know, oil painting requires an area separate from your living space, as its smell is intense, and paints get everywhere. In addition, oil paintings are expensive. Traditional Japanese paints are even worse. I wished I could focus on acrylics or watercolour, which are more affordable and require less space. In Tama Art University, meanwhile, also, you need to specifically select one medium to study from three options in fine art, ‘Oil painting’, ‘lithography’, and ‘traditional Japanese painting.’ As looking up now, it seems that usage of acrylics is permitted during the entrance exam of the oil painting course. But looking at the requirements at the time, I felt blocked by the specific subject categorization. 

Furthermore, I also felt the pressure to have a plan for the future in the back of my head. Looking at my hardworking parents, I was painfully aware that I needed to become independent from them after university graduation, even though I had a vague idea that making a living from art is not easy. As a result, I ended up choosing graphic design as a subject, which seemed more functional and affordable. I don’t regret this decision, as the course fortunately had room for fine art as well. I also met wonderful teachers in the university. However, it is also true that I could’ve chosen the course differently if the subject options had been less rigid. I also wish that the entrance process had centered around a diverse portfolio or art collection like many American art universities, instead of a test on a specific technique.


Finally, reason 3: Humiliation in the classroom

In the class dedicated to preparation for the exams, when we finished painting or drawing, we would put the works on the two floating shelves parallel with each other for being evaluated. The tutors, then, relocated the pieces according to the technique levels of each work they judged. The left top was the best, the right bottom was the worst. It seems that this is a tradition that exists in all art tutoring schools in Japan, and it wasn’t exclusive to one school. At the time, I didn’t feel like this evaluation process discouraged me, as I was focused on improving myself. What was much more disheartening was some of the comments tutors made during the evaluation. I still remember when tutors laughed at one of my classmates. They pointed out his paints were ‘improper’, saying they couldn’t believe he dared to say he wanted to be a designer while being so ignorant about paints.  Of course, not all the tutors were like that, but there was definitely a notion that teasing and demeaning students is acceptable. It was the humiliation that stung, not constructive criticism. 

Now, please let me define the word ‘humiliation’. According to the academic paper, ‘Toward a Psychology of Humiliation in Asymmetric Conflict’ by Clark McCauley from Bryn Mawr College, quote ‘Whether the humiliation arises out of personal experience or group membership, the descriptions reviewed so far seem to include four key elements: a perpetrator, a victim, an unjust lowering, and unequal power. In Lindner’s (2006) view, the feeling comes from being unjustly demeaned by a more powerful other. For Lazare (1987), it is the result of being unfairly debased or diminished by another person. According to S. B. Miller (1988), it “involves being placed in a lowly, debased, and powerless position by someone who has, at that moment, greater power than oneself”, Unquote. 

It sounds like a classroom that has a teacher or instructor in an absolute position of power over desperate students stressing out about the competitive exam. This is the perfect flowerbed for humiliation. In reality, it was not rare to witness the use of humiliation in schools in general back then. I believe I was extra disappointed when this happened in the art setting, though, because art has always been my safe space. This sense of losing the safe space deeply affected me afterwards.  It was also the art that saved me from the sense of helplessness though. I’ll save that topic for another time.


So, there you go. Overall, the application process for the art university was emotionally and physically strenuous for me. However, it was worthwhile as I learned a lot from the experience. I only mentioned Japanese and American art education systems as they are familiar to me, but I am also curious about the art education systems in other countries.


 I’d be delighted if you write a review of this podcast on Apple Podcasts or rating on Spotify. It would be lovely if you share the episode on social media as well. And of course, you’re more than welcome to let me know your thoughts about this topic from the contact form in the description. 

Thank you so much for listening. Goodbye for now!


X Reference Links

Toward a Psychology of Humiliation in Asymmetric Conflict -Clark McCauley Bryn Mawr College

Tuition Cost Comparison

School of Visual Arts in NY

Tama Art University Entrance Exam Questions Japanese

Selection of students for admission to Tokyo Zokei University for the 2025 academic year  (implemented in 2024)  Japanese

Selected Comparative Guide to Art Tutoring Schools Japanese

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-----日本語-----

こんにちは、ニスリーンです!私のポッドキャスト第9回目へようこそ!またお耳にかかれて嬉しいです。

今日は、日本の美大受験のシステムについてお話したいと思います。私は、2011年に東京造形大学のグラフィックデザイン学科を卒業しました。東京造形大学は、東京5美大と呼ばれる、芸術に特化していることで知られる5つの大学の一つです。もうずいぶん昔のことですが、現在アメリカ合衆国に住んでいることで、自分の大学での経験について振り返る機会が増えているように感じます。アートに関する日本とは違う文化に触れることが多いですし、またこちらでは学歴について聞かれることが日本より多いからかもしれません。



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こんにちは、ニスリーンです!私のポッドキャスト第9回目へようこそ!またお耳にかかれて嬉しいです。

今日は、日本の美大受験のシステムについてお話したいと思います。私は、2011年に東京造形大学のグラフィックデザイン学科を卒業しました。東京造形大学は、東京5美大と呼ばれる、芸術に特化していることで知られる5つの大学の一つです。もうずいぶん昔のことですが、現在アメリカ合衆国に住んでいることで、自分の大学での経験について振り返る機会が増えているように感じます。アートに関する日本とは違う文化に触れることが多いですし、またこちらでは学歴について聞かれることが日本より多いからかもしれません。

美術大学で得た経験は本当に貴重で、感謝しかありません。しかし、受験の過程は私にとって決して楽なものではありませんでした。正直、今でも思い出すと心が痛む記憶もあります。 そこで、私にとって美大受験が大変だった3つの理由と、もっとこうだったらよかったのに、という考えをお話してみたいと思います。私の意見は個人的な経験に基づくものなので、今では状況が異なる可能性がありますこと、ご了承ください。

 

理由1:費用がかさむ。

これは私自身というより、私の両親の苦労ですね。4年間の大学授業にかかる総費用は約800万円、つまり約6万ドルでした。 アメリカの美術大学、例えばニューヨークのスクール・オブ・ヴィジュアル・アーツが2年間で総額約94000ドルかかるのと比べれば、そこまでひどくはないのかもしれません。しかし、日本国内では、私立大学の4年制コースの平均費用が400万円、つまり3万ドルです。この基準で言えば、美大はそうとう高額です。

さらに、入試の準備のために、生徒たちは毎晩放課後に専用の予備校に通わなければなりません。その予備校も年間1300㌦~3000㌦くらいかかるわけです。私が受験勉強をしていた頃、両親は文字通り昼夜働いていたこと、容赦ない支払いに追われていたのを覚えています。そのおかげで、私は受験勉強と高校の通常の勉強に集中できる大変恵まれた環境にいました。私の高校はアルバイトを禁止していたので、もし家計が苦しかったら、美大への進学は考えることもできなかったと思います。大学のホームページには奨学金制度が紹介されていますが、年間費用の1割程度しか負担されません。

東京全体で唯一の国立美大である東京芸術大学は学費が安いのですが、合格率は30%程度の難関大学です。 ほとんどの学生は何年も浪人の末にようやく入学ができるかということで、その過程の予備校費用もかかります。私自身は恵まれていましたが、全体として、美術を志す学生とその家族に対する組織的な支援がもっとあればよいのにな、と思います。

 

理由2:コースの選択肢に融通が利かない。

私が美大を目指したきっかけは、子供時代にさかのぼります。私は紙と鉛筆さえあればいつまでも退屈しないでいられる少女でした。ビジュアル・アートや絵を描くことが大好きだった私は、美術の学位を取るべきだと考えるようになりました。

しかし、10代になってようやく学部プログラムを見たとき、途方に暮れてしまいました。東京造形大学には絵画コースが1つありましたが、鉛筆デッサンと学科試験に加え、油絵の実技試験が必要でした。実は私は、子供の頃、絵画教室で油絵を楽しんでいたものの、自宅で本格的に油絵に取り組めるようなスペースがなくて、結局やめてしまっていたのです。ご存じない方のために説明すると、油絵は匂いがきついし、絵の具があちこちにつくので、生活空間と離れたアトリエが必要です。加えて、油絵はお金がかかります。日本の伝統的な岩絵の具はさらに高額です。もっと手ごろな値段で、場所もとらないアクリルや水彩に専念できればよいのに、と思いました。

また、多摩美術大学の絵画コースでは、「油画」「版画」「日本画」の3つの専攻科目から、特に1つの表現法を選ぶ必要がありました。今調べてみると、油画コースの入試ではアクリル絵具の使用が認められているようです。しかし、当時は、3つの表現方法から選考科目を選ぶことそのものに、行き詰まりを感じていました。

さらに、頭の片隅には将来設計のプレッシャーもあったように思います。アートで食べていくのは簡単ではないという漠然とした認識があると同時に、一生懸命働く両親を見ていると、大学卒業後は自活しなければならないと痛感してもいました。

その結果、より将来の選択肢がありそうで準備費用も比較的手ごろなグラフィックデザインを選択しました。幸い、コースの中でファインアートも学ぶことができましたし、素晴らしい先生方との出会いもあり、この決断に後悔はしていません。

しかし、科目の選択肢がここまで厳密でなければ、たとえばファインアートという大きな括りでの先行が許されていれば、もう少し自由に選択ができたのではないかと思う面はあります。また、一日の技術テストではなく、多くのアメリカの美術大学のように、ポートフォリオの提出を中心に据えた受験過程であったらもう少し自由な表現ができたのではないかとも思います。

 

最後の理由3:教室での精神的な苦痛

受験対策の予備校の授業では、絵やデッサンの作品ができると壁の二段の棚に並べて、講評を受けます。講師は、それぞれの作品の技術レベルに応じて、作品を並び替えるのです。左上が最高評価で、右下に行くほど評価が下がります。これは日本中の美術予備校にある伝統のようでした。当時は、上達することに神経を集中させていたので、この評価方法そのものに落ちこむことはあまりありませんでした。

それよりもがっかりしたのは、評価の際に講師が発する言葉の方だったと思います。今でも覚えているのは、最初の授業で、あるクラスメートを講師たちが笑ったことです。彼らは彼が持ってきた絵の具の種類が「不適切」だと指摘し、こんなに絵の具について無知なのに、デザイナーになりたいと言うなんて、と言って笑っていました。 もちろん、すべての講師がそうだったわけではありませんが、生徒をからかったり貶めたりすることは許されるという雰囲気があったのは確かです。建設的な批判は問題ありませんでしたが、このように生徒を貶めるような言葉選びは聴いていてつらいものでした。このように恥の感情をつかって相手を貶めることを英語でhumiliationといいます。この言葉の学術的な定義を見てみたいと思います。

ブリンマー・カレッジのクラーク・マッコーリーによる学術論文『非対称的対立におけるhumiliationの心理学』によると、以下引用です。「humiliationが個人的な体験から生じたものであれ、集団の一員であることから生じたものであれ、これまでに検討された記述には、加害者と被害者、不当に貶められた者と権力を行使した者という4つの重要な要素が含まれているようだ」と引用している。リンドナーの見解では、この感情は、より強力な他者から不当に卑下されることから生じる。ラザールは、他者から不当に貶められたり、矮小化されたりした結果であると定義している。S.B.ミラーによれば、「その瞬間、自分よりも大きな力を持つ誰かによって、貶められた無力な立場に置かれること」である。」以上引用です。

私はこれを読んで、受験を控えて必死な生徒たちと、絶対的な権力を持つ講師がいる教室を思い出しました。教室というのはhumiliationの温床だと思います。実際、当時は一般的な学校でも、教師が生徒を辱めるような言動を目の当たりにすることは珍しくなかったと思います。た

だ、美術予備校でこのような言動に遭った時にことさらにショックを受けたのは、私にとって絵の世界は安全な場所であるはずだったからでしょう。自分の心の安心の場を失ったという感覚は、その後の私に深い影響を与えました。 でも、このような無力感から救ってくれたのもまた、アートでした。このことについては、また別の機会にお話ししたいと思います。

以上になります。全体として、美大受験の過程は、私にとっては精神的にも肉体的にも大変なものでした。しかし、その経験から多くのことを学ぶことができましたので、今ではとても有意義なものであったと感謝しています。なお、今回は日本とアメリカ合衆国の状況についてしかお話できませんでしたが、他の国の美術教育システムにももっと知りたいと思っています。

ここまで聴いていただきまして、本当にありがとうございます。もしこのエピソードを楽しんでいただけましたら、Apple Podcastsでレビューを書いてくださると大変励みになります。もちろん、説明文にあるコンタクトフォームやソーシャルメディアからこのトピックについてのお考えを教えていただけるのも大歓迎です。

 

それではまた来週、お耳にかかれますこと、楽しみにしております!


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Friday, May 3, 2024

[Bilingual post] Podcast Ep5. Why 'Small Pig' is an Ideal Picture Book/ポッドキャストEp5. 「どろんここぶた」が傑作絵本と呼ばれる理由

    Japanese follows English/日本語は英語の後に記載

Hello, this is Nisreen! I uploaded the 5th episode of my bilingual podcast.

This time, I talked about one of my favourite picture books, ‘Small Pig’, by the famous American author, Arnold Lobel. The book was first published in 1969, and is still loved all around the world today. I grew up reading the Japanese translation with my parents. Please listen to the audio file below. It's available on Apple Podcasts and Spotify as well.



The full script is available below. You're more than welcome to share your thoughts from the contact form or social media sites!


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Hello, this is Nisreen! Welcome to the fifth episode of my podcast! It’s lovely to speak to you again.

Today, I’d love to talk about one of my favourite picture books, ‘Small Pig’, by the famous American author, Arnold Lobel. The book was first published in 1969, and is still loved all around the world today. I grew up reading the Japanese translation with my parents.

You may wonder why I chose this children’s book as a podcast theme. I believe that picture books are an extremely important art form, because, oftentimes, it’s the very first art form people get exposed to. So, its impact stays with us even after we grow up.

According to  ‘Exploring the Therapeutic Effect of Children's Picture Books,’ a dissertation by Yunfan Chen from Syracuse University the experience of reading stories with illustrations greatly supports children’s emotional development. Quote, ‘a picture's purpose is to clarify meaning by conveying information and complementing the meaning of a word. But pictures are not just sensory pleasure, they also contain information, emotion, storytelling. The beauty of picture books is that the words and illustrations support each other in telling stories and connecting with children. Children benefit from illustrated books because they enable them to explore their emotions.’ Unquote.

I will explain three reasons why ‘Small Pig’ is an ideal example of the unique power of storytelling in picture books. Let’s get right into it!

 

1: It will make you laugh.

Maybe this is the first thing you notice about ‘Small Pig.’ This story is so goofy! It goes like this; a farmer and his wife have a Small Pig called Small Pig. They love him like he was their baby. Small Pig loves to sit in soft, comfortable mud – so much that when the farmer's wife cleans up the mud in his pigpen, he gets angry, and runs away. The story follows his little adventure in the outside world. The simple illustrations perfectly capture Little Pig’s cuteness.

I know from his perspective, loosing his mud puddle is a tragedy. But it’s hard not to smile looking at his little frowning face, and the little ribbon on his head. Like ‘Matilda’ by Roald Dahl shows us, children especially appreciate humour in books. ‘Little Pig’s great sense of humour is definitely one of the factors that makes it a masterpiece. Also, I have to mention how great the Japanese translation by Reiko Kishida is. She used Japanese onomatopoeia*, such as ‘ずずず~~~っと’ to express the sensation of the Small Pig sinking in mud. I still remember laughing at that section when I was small.

 

2:  It will make your heart race.

As mentioned earlier, ‘Small Pig’ is about the titular* character’s little tragedies and challenges in life. Thus, it’s not only funny, but thrilling. It makes you cheer for the protagonist. In a particular scene where Small Pig ends up in an ‘unfortunate’ situation – I won’t tell you what, to avoid spoilers -- you will find yourself feeling anxious for him. The art is really evocative*; in this scene, it reminds me of the kind of nightmare you would have as a small child, about leaving your safe home and facing the big scary world.

 

3: It will teach you a valuable lesson.

As I mentioned earlier, this story is funny and sweet. It doesn’t come across as a moralising story at all. However, looking back now, I see how educational the story was, especially for kids’ parents. Even though the farmer’s wife cleaning the pigpen was a perfectly reasonable action for an adult, at the end of the story, she promises the Small Pig that she’ll never ruin his mud hole again. This showcases how important it is for adults to respect kids’ values and boundaries, no matter how silly they may seem!

This moral message is somehow reminiscent of a Japanese well-known picture book, ‘Oshiire no Boken’ or ‘The adventure of Closet’ by Taruhi Furuta and Seiichi Tabata. It’s primarily a fantasy adventure two boys have in a closet of a nursery school. However, it also contains a moral lesson for the teachers. The teachers put the boys in the closet as a punishment for their bad behaviour, without listening to their explanation of events. In  the 1970s, when the book was published, this type of authoritarian attitude to children was very much normalised, especially in Japan. The boys are told by the teachers to apologise if they want to get out of the closet, but even though it’s scary in the closet, they refuse. And they discover a fantasy world in the closet where they have adventures. They defeat the villains in the fantasy world without seeking any help from outside. At the end of the story, when the boys finally get out of the closet, the teachers apologise to the boys for having ignored their pleas and explanations. They even agree to abolish usage of the closet for punishment. The message is clear as day here: listen to your kids! I find it fascinating that these two books with completely different styles and cultural backgrounds have some common ground.

From kids’ perspective, though, ‘The adventure of Closet’ is about their own bravery and resilience. On the other hand, ‘Small Pig’ showcases the beauty of self-acceptance to children. The farmer and his wife adore Small Pig, and look for him despite his quirkiness and silly mistakes. And the last scene, where he sinks in his favourite mud puddle once more, feels like a big thumbs-up to him living his life the way he finds joy.

 

What did you think? I’d be delighted if you write a review of this podcast on Apple Podcasts or Spotify. And of course, you’re more than welcome to let me know your thoughts about children’s books from the contact form in the description.

Thank you so much for listening. Goodbye for now!

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Exploring the Ther Exploring the Therapeutic E apeutic Effect of Childr ect of Children's Pictur s Picture Books e Books/Yunfan Chen Syracuse University 


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--日本語--

こんにちは、ニスリーンです!お元気ですか?第5回目の日英ポッドキャストエピソードを更新しました!今回は「どろんここぶた」という有名な作家アーノルド・ローベルによる絵本についてお話しています。1969年に最初に出版され、今でも世界中で愛されている名作です。私も日本語版を読み聞かせしてもらいながら育ちました!以下、スクリプト全文掲載しております。

以下のオーディオファイル、または Apple Podcasts と Spotify からお聞きいただけます。


Xスクリプト

こんにちは、ニスリーンです!私のポッドキャスト第5回目へようこそ!またお耳にかかれて嬉しいです。

今日は、私の大好きな絵本のひとつ、有名な米国人作家アーノルド・ローベルの「Small Pig」、日本語訳では「どろんここぶた」についてお話ししたいと思います。この絵本は1969年に出版され、今でも世界中で愛されています。私は子供の頃に、両親に日本語訳を読みきかせしてもらいながら育ちました。

なぜ私がこの子供向けの絵本をポッドキャストのテーマに選んだのか、不思議に思われるかもしれません。私は、絵本というのはとても重要なアートだと信じているんですよね。というのも、絵本は多くの場合、人が生まれて最初に触れるアートだからです。

シラキュース大学の(Yunfan Chen)氏の学位論文「絵本の心理的治療効果を探る」によると、挿絵のある物語を読む経験は、子どもの情緒の発達を大いに助ける役目があるそうです。以下引用します。「 絵の目的は、情報を伝え、言葉の意味を補うことによって意味を明確にすることである。しかし、絵は単なる感覚的な楽しみではなく、情報、感情、物語を含んでいる。絵本のすばらしさは、言葉と絵が互いに支え合って物語を語り、子どもたちと心を通わせるところにある。絵本の多きな恩恵は、子どもたちがさまざまな感情を経験することを可能にすることだ。」。以上引用です。

「どろんここぶた」が、絵本ならでは物語の力を示す特に理想的な例である3つの理由を今から説明していきたいと思います。

1:笑いを誘う。

おそらく、多くの人にとって、これがどろんここぶたの最初の印象ではないでしょうか。この絵本にはとにかく可笑しみがあります。あらすじはこんな感じです。あるお百姓夫婦はこぶたを飼っています。二人はこぶたを自分たちの子供のように可愛がっています。こぶたは柔らかくて心地よい泥の中に座るのが大好きで、おかみさんが豚小屋の泥を掃除すると、怒って家出してしまいます。絵本は、彼が外の世界で繰り広げる小さな冒険を描いたものです。素朴な挿絵がこぶたのかわいらしさを完璧にとらえていると思います。

 

こぶたの目から見れば、泥んこを失うことは大変な悲劇です。それはわかっているのですが、彼の小さなしかめっ面や頭の上の小さなリボンを見ると、ついつい笑ってしまいます。イギリスの作家ロアルド・ダールの名作「マチルダは小さな大天才」にもありましたが、子どもは特に本の中のおどけた部分を好みます。「どろんここぶた」のユーモアのセンスの素晴らしさは、間違いなくこの作品を傑作絵本たらしめている要因のひとつでしょう。また、岸田玲子による日本語訳も素晴らしいです。彼女は「ずずず~~~っと」といった日本語の擬音*を使って、こぶたが泥の中に沈んでいく感覚を表現しています。小さい頃、その部分がなんともおかしくて笑ったのを今でも覚えています。

 

2:ハラハラドキドキする。

前述したように、「どろんここぶた」は主人公(※)の人生における小さな悲劇や挑戦を描いた物語です。そのため、面白いだけではなくて、ドキドキする要素もあり、主人公を応援したくなってしまいます。小豚が「不運」な状況に陥ってしまうあるシーンがあります。--ネタバレを避けるために内容は伏せますそこでは特に、彼のことが心配になってしまうでしょう。安全な家を出て大きな怖い世界に立ち向かうという、小さなころの悪夢を思い出させる描写が秀逸な場面でもあります。

 

3:貴重な教訓を得られる。

最初にもお伝えしましたが、この物語はかわいらしくて笑ってしまうようなお話です。一見、道徳的な話にはまったく思えません。しかし、今振り返ってみると、この物語がいかに教育的であったか、特に子供たちの親に対して深いメッセージを含んでいたかがわかります。おかみさんが豚小屋を掃除するのは、大人にとってはまったく普通の行動であるにもかかわらず、物語の最後で、おかみさんは子豚に「もう二度と泥んこを掃除したりしない」ことを約束するんですよね。これは、大人が子供の価値観や大事にしていることを尊重することがいかに重要かを示していると思います。

この道徳的なメッセージは、日本の(古田樽日・田畑誠一作の有名な絵本『おしいれのぼうけん』をどこか彷彿とさせます。この絵本の表のテーマは二人の男の子が保育園の押し入れの中で繰り広げる冒険ファンタジーです。しかし、その裏には、先生たちへの道徳的な教訓があります。先生たちは、二人の男の子の行儀の悪さに対する罰として、彼らの説明を聞かずに押し入れに入れてしまいます。この本が出版された1970年代、特に日本では、子どもに対するこういった強権的な態度は今よりもかなり一般的なことであったと思います。

男の子たちは、押し入れから出たいなら謝るように先生に言われるのですが、どんなに押し入れの中が怖くても、降参しません。やがて彼らは押し入れの中に不思議な世界を発見し、そこで冒険を繰り広げます。外からの助けを求めることなく、押し入れの世界の悪者を倒すのです。物語の最後、男の子たちがついに押し入れから出た際に、先生たちは彼らのうったえや説明を無視したことに「ごめんね」を言います。これ以降、保育園で罰として押し入れを使うこともなくなったという描写もあります。これもかなりはっきりとした大人へのメッセージですよね。子供たちの言うことに耳を傾けなさい!という作者の声が聞こえてくるようです。

作風も文化的背景もまったく異なるこの2冊の本に、このような共通する考えがあるのは面白いと思います。

ただ、子供たちの視点から言えば、『おしいれの冒険』は子供たち自身の勇気と強さについての話である一方、『どろんここぶた』は、ただただ、あるがままの自分であることについての物語と言えるでしょう。

お百姓の夫婦は、こぶたの変わった趣味やちょっとドジなところにも関わらず、彼のことを一貫して大事にしていますし、彼を探しにきてくれます。そしてラストシーン、こぶたが大好きな泥んこにもう一度沈むシーンは、大好きなことを楽しんで生きるこぶたへの作者の心からの賛歌が聞こえてくるようです。

 

いかがでしたか?もし今日のエピソードを楽しんでいただけましたら、Apple PodcastsまたはSpotifyにレビューを書いていただけると大変励みになります。もちろん、説明文にあるコンタクトフォームから絵本についてお考えを教えてくださるのも大歓迎です。

ここまできいて頂き本当にありがとうございました。それではまたお耳にかかれますこと楽しみにしております。

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Exploring the Ther Exploring the Therapeutic E apeutic Effect of Childr ect of Children's Pictur s Picture Books e Books/Yunfan Chen Syracuse University 

感想を連絡フォーム、またはソーシャルメディアより教えていただければ、大変励みになります!

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Friday, April 19, 2024

[Bilingual post] Podcast Ep.3 Artists' Mental Health and Social Media /ポッドキャストEp3.アーティストのメンタルヘルスとソーシャルメディア

   Japanese follows English/日本語は英語の後に記載

Hello, this is Nisreen!


I uploaded the third episode of my podcast. This time, I talked a theme that’s very close to my heart: artists’ mental health and social media. The definition of ‘artist’ here is anyone who expresses themselves through any art forms, no matter whether financial profit is involved. I’m not a believer that you’re only an artist only if you make money of your art. I analysed the reasons why social media could be toxic for artists' mental health and suggested three tips for softening the emotional toll.


Please listen to it from the audio below, or  from Apple Podcasts or Spotify .


The full script is shared below.


X Script


Hello, this is Nisreen! Welcome to the third episode of my podcast. Lovely to speak to you again.


Today, I’d love to talk about a theme that’s very close to my heart: artists’ mental health and social media. The definition of ‘artist’ here is anyone who expresses themselves through any art forms, no matter whether financial profit is involved. I’m not a believer that you’re only an artist only if you make money of your art.


In my case, I share my belly dance performance s and paintings/drawings online. For now, I do this purely for self-expression. I also consider this podcast a tiny piece of art. 


In terms of the impact of social media on mental health in general, I found an insightful article titled ‘Social Media Use and Mental Health: A Global Analysis’ by the National Library of Medicine, the world's largest medical library in Maryland. I will read one passage from the article. Quote, ‘Using PRISMA guidelines on PubMed and Google Scholar, a literature search from January 2010 to June 2020 was conducted to identify studies addressing the relationship between social media sites and mental health. Of the 39 studies identified, 20 were included in the meta-analysis. Results indicate that while social media can create a sense of community for the user, excessive and increased use of social media, particularly among those who are vulnerable, is correlated with depression and other mental health disorders.’ Unquote.

Well, the definition of vulnerability varies of course. But I can certainly say, sharing your creation on the internet also makes you experience certain level of vulnerability. I couldn’t find any data specifically about artists’ mental health and social media. There are quite a few blog posts from the artists’ perspectives, though, that honestly talk about their struggles. Their courage inspired me to talk about my own perspectives on this topic. 


First, what makes social media a source of the sense of community?’ Its equality and accessibility. No matter where you are, who you are, you can express your artistry online. If you try to exhibit your paintings in a physical gallery, for example, you usually need to pay the rental fee for the venue. And of course, you must be physically capable to prepare the exhibit, or at least submit your artwork. And you don’t have a voice on other media platforms such as TV, newspapers, magazines, unless you already have established your reputation or connections. On the internet, on the other hand, you can just post your work for free, by yourself. And you can post online while you are at home, even from your sick bed! 

And when it comes to accessibility- you can also reach out to anyone, anywhere, online. I also have fortunate experiences in that sense. I received lovely comments on my art posts from the director and producer of my favourite film ‘Yeh Ballet’ in Delhi, and from Sophie Ellis-Bextor, a popstar in England as well. As mentioned in episode 1, I connected with fan communities of the film RRR too. I can’t think of any other means like social media to make such broad connections. If you have an exhibit in the real world, you will only have local people to view your art, unless you’re a highly acclaimed artist already.


Then, why, could social media be psychologically harmful? I will talk about five reasons why I think social media can be particularly toxic for artists. Later, I will share the tips for softening the emotional toll. Let’s get right into it!


1. Social media enforces competition.

The numbers of likes, comments, even views are instantly visible. You may notice the number of visitors or sales in person, too, particularly if you’re a career artist. But what’s unique about social media is that the numbers are usually public. Once you’re on social media, you are automatically put in a competitive system.  Especially for underage creators, this could be truly heart breaking because what they need is often not harsh criticism, but nurturing.


2. Social media has an ‘anti-fine art’ bias.

This may sound like overgeneralization, but bear with me. First, what is fine art? Is it different to commercial art? Fine art is typically visual art such as paintings or sculptures that are created for the sake of its creation. Fine art aims to express personal or cultural perspectives in a unique way. It often has a subtle and abstract nature. It has room for interpretation and emotional experience. In contrast, commercial art is created with a clearer commercial purpose. Package design, posters, book illustrations for example are usually called commercial art. They aim to convey a message efficiently to a specific group of people. Both art styles are important and valuable, And of course, it’s often hard to draw the line between the two. The medieval European portraits were often painted for clients upon commission, and so were commercial products. But those pieces in the museums nowadays are considered fine art. 

The point is, though, that fine art is not valued for its efficient communication. You need to take time to reflect on the piece to really appreciate it. This aspect of fine art is inherently anti-social media. On social media, efficient and instant engagement is essential to gain views. You may say the same thing about dance videos online. Not many people take 30 minutes to appreciate a traditional dance routine. They only see 30 second-long Instagram reels. What is scary about social media for traditional or fine artists especially is, that the more you try to grow views, the more you could alienate yourself from your core principles. 


3. Social media consumes your time.

People say you need to post multiple times every day, otherwise the algorithms leave you behind. Instagram in particular has this tendency nowadays. Algorithms also tend to pick up reels/videos much more than images. My question is, though, how are we supposed to find the time to get engrossed in artwork if we upload the videos every day? Don’t get me wrong. I truly respect those who make it happen. To me, at least, it doesn't seem to be very sustainable. Also, if you try to engage with your followers, you may end up thinking about social media 24/7, which could be exhausting.


4. Social media discourages you from evolving.

Algorithms love consistency. For example, rather than posting about dogs one day, and films other days, you need to only post about dogs all the way through, to get boosted. So obviously, the way I talk about various topics here and on my social media is a bad policy if you want attention! Also, as much as I appreciate fan art communities, in my case of films, I am aware of expectation for fan art creators especially, to stick to the same subject. I don’t buy that, honestly. For nurturing creativity, trying out different themes, means, and styles is extremely important. Look how much Picasso evolved through his life!


5. Finally, social media is basically an anonymous space.

If you show your painting, or dancing, to someone in person, you almost certainly get a reaction. They may not like it. They may criticise it. They may just ignore it. But at least, YOU see them. Audiences in any case generally tend to be warm. On the internet, though, sometimes all you receive for your work is the dead silence. You don’t even know if anyone saw your piece. Maybe they have, it’s marked as ‘seen.’ But you don’t know. All you see is those icons, not actual people. It may feel like talking into the void. Especially after spending days of furnishing your craft on your own and finally finishing it, this sense of loneliness may deeply affect you.


These are the five reasons why I believe social media could be toxic for creators. Now, how can we make it better for ourselves, if we don’t plan to delete all the social media accounts? I will suggest three methods that worked for me.


1. Find more opportunities to share art in person.

In terms of visual art, since I joined a local art guild and exhibit, I’ve started feeling less worried about social media. I suppose it’s because social media became my secondary platform, not my primary one. And the sense of belonging to the local community really helped me. Fortunately, these local activities are all very affordable. Also, performing / belly dancing in local events is a great way to feel connected to people in real life for me. By having the more sociable art form to express myself, I can cope with the solitude I have when working on visual art.


2. Set clear goals and priorities for using social media.

You could write down three top goals. For example, in my case, the top motivation in social media usage is to express my creativity. The second priority is to improve my language and communication skills. The third priority is to build the genuine sense of community. Once I recognized those priorities, I started feeling less stressed about algorithms and numbers. It would be great, of course, if I gain more viewers, but I don’t try to do that by compromising my higher priorities. On the contrary, if your top priority is to increase business engagement, you might need to learn how to use algorithms. You may seek professional support for marketing. Either way, becoming conscious about your intention will help you focus on your goals, not the emotions along the way.


3. Try to reach out in more personal ways

Some may use newsletters, or membership online salons, video chats or simply emails to their online followers or community members. These methods are slower, and more personal. We could focus more on individual connections and conversations even online, rather than with faceless ‘audiences.’ I have a video call session with my art friends in Japan about once a month. It helps me keep motivations for sharing my art online. I also realised one heartfelt comment matters much more than any number of likes to me.


 These are main three suggestions I’d make. And of course, taking good night sleep and sunlight is important too. Limiting the time on social media is also an idea. Again, social media can give us great benefits, if we can work around the negatives.


What did you think? I’d be delighted if you write a review of this podcast on Apple Podcasts  or Spotify. And of course, you’re more than welcome to let me know your thoughts about this topic from the contact form in the description. 

Thank you so much for listening. Goodbye for now.



x Reference

Social Media Use and Mental Health: A Global Analysis<https://www.ncbi.nlm.nih.gov/pmc/articles/PMC9620890/>


WHY SOCIAL MEDIA IS AN EMOTIONAL CHALLENGE FOR ARTISTS<https://tylerxhobbs.com/essays/2020/social-media>


Commercial Art vs Fine Art (A Simple Comparison: The Differences & Similarities Between Fine Art & Commercial Artwork)

<https://pisnak.com/commercialart-and-fineart/>


ASK THE ART PROF: WHAT’S THE DIFFERENCE BETWEEN FINE ARTS AND VISUAL ARTS?

<https://claralieu.wordpress.com/2013/04/06/ask-the-art-professor-whats-the-difference-between-fine-arts-and-visual-arts/>



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こんにちは。ニスリーンです。私のポッドキャストの3回目のエピソードを更新しました!


今日は、私にとってとても大切なテーマ「アーティストのメンタルヘルスとソーシャルメディア」についてお話したいと思います。ここでいう「アーティスト」とは、金銭的な利益の有無にかかわらず、何等かのアート(絵、ダンス、音楽等何でも)を通して自己表現する人のことです。なぜソーシャルメディアはアーティストのメンタルヘルスに悪影響になりうるのかの理由。精神的な負担を減らすための3つの鍵を分析しました。共感していただけたり、何かヒントになれば嬉しいです。


以下のオーディオファイルから是非お聴きください。スクリプトもシェアしております。または、SpotifyApple Podcastsからもお聴き戴けます。

もしエピソードを楽しんでいただけましたら、Apple PodcastsまたはSpotifyにレビューを書いていただけると大変励みになります。もちろん、コンタクトフォームから感想を教えてくださるのも大歓迎です。


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こんにちは。ニスリーンです。私のポッドキャストの3回目のエピソードへようこそ。またお耳にかかれて、うれしいです。

今日は、私にとってとても大切なテーマ「アーティストのメンタルヘルスとソーシャルメディア」についてお話したいと思います。ここでいう「アーティスト」とは、金銭的な利益の有無にかかわらず、何等かのアートを通して自己表現する人のことです。私の場合は、ベリーダンスのパフォーマンスと絵画やドローイングをオンラインでシェアしています。実はこのポッドキャストも小さなアート作品だと思っています。


ソーシャルメディアがメンタルヘルス全般に与える影響について、参考になる記事を見つけました。 アメリカ合衆国にある世界最大の国立医学図書館による『ソーシャルメディアの利用とメンタルヘルス』と題された記事です。記事の一節を読み上げます。 『PubMedとGoogle ScholarのPRISMAガイドラインを用いて、2010年1月から2020年6月までソーシャルメディア使用とメンタルヘルスとの関係を取り上げた研究を実施した。39件の研究のうち、20件がメタ分析に含まれた。分析結果、ソーシャルメディアは利用者に前向きな帰属意識をもたらす可能性がある一方で、特にリスクに晒されやすい立場にある人々のソーシャルメディアの過度な利用や利用増加は、うつ病やその他の精神的な問題と相関関係にあることが示された』。以上引用です。


リスクに晒されやすい立場、と訳したところは英語でvulnerableと書かれていました。この言葉と同じ意味の日本語の言葉はないので難しいのですが、例えばアーティストが自分の大切な創作物を全世界に公開するときに、精神的に安全な領域を出ることになりますので、このvulnerableな状態ーリスクを抱える状態になるということは言えると思います。アーティストとソーシャルメディア使用に特化した統計は見つからなかったのですが、アーティスト自身の視点からのブログ記事で、彼らの悩みを正直に語っているものは見つけました。彼らの正直さに勇気づけられて、このことについて私自身の思いも話してみたいと思いました。


まず、記事の中で「ソーシャルメディアは利用者に前向きな帰属意識をもたらす」とありましたね。これはなぜでしょうか。私は何と言っても平等性と利便性だと思います。どこにいても、誰であっても、オンラインの世界は平等です。例えば、実際にギャラリーで絵を展示しようとすれば、たいていは会場のレンタル料が必要になりますね。そしてもちろん、展示の準備をしたり、少なくとも作品を提出できるくらいの体力が必要です。また、テレビや新聞、雑誌といった他のメディアでは、すでに評判やコネクションを確立していない限り、取り上げてもらうのは難しいことが多いです。一方、インターネット上では、自分の作品を自分で無料で投稿できます。具合が悪くても、ベッドの中からでもできますね。


また、利便性ですね。ネット上であれば、どこにいても、誰にでも発信できます。そういう意味では、私もラッキーな経験をしています。インドのデリーにいらっしゃる私の大好きな映画『イエ・バレエ』の監督とプロデューサー、そしてイギリスのポップスター、ソフィ・エリス=ベクスターからも、私のアート投稿に素敵な反応をいただいたことがあります。エピソード1もお話しましたが、映画『RRR』のファンコミュニティともつながることができました。これほど世界中の人達とつながりを持てる手段はソーシャルメディアの他にないと思います。現実の世界で展示会を開いたとしても、よほど高い評価を得ているアーティストでない限り、地元の一部の人たち以外に観てもらうことは難しいでしょう。


では、なぜそんな便利なソーシャルメディアは心理的に有害になりうるのでしょうか?ソーシャルメディアがアーティストにとって特に有害であると私が考える5つの理由についてお話しします。その後で、精神的な負担を和らげるためのヒントについてもお伝えしていきます。

1. ソーシャルメディアは競争を強いる

「いいね!」の数、コメント数、閲覧数までもが即座に目に入ります。もちろんプロアーティストであれば、ネットに限らず来客数や売上に直接気づくことはあるでしょう。ただソーシャルメディアのユニークな点は、数字が基本的には公開されるということです。ソーシャルメディアに登録した時点で、自動的にほかの人との数字での比較に巻き込まれることになります。 特に未成年のクリエイターにとって、これは厳しいです。成長過程の彼らに必要なのは厳しい競争ではなく、優しく見守ってくれる環境であることも多いからです。


2.ソーシャルメディアには「アンチ・ファインアート」の傾向がある。

これは一般化しすぎのように聞こえるかもしれないですが、もう少しお付き合いください。まず、ファインアートとは何か?というところからですね。ファインアートとは、主に絵画や彫刻など。個人的または文化的な視点を独創的な方法で表現することを目的としたアートです。多くの場合、観る人に想像の余地を与えるような複雑な要素を含んでいることが特徴です。これに対して、コマーシャルアートはより明確に商業目的を持ったアートのことです。例えば、パッケージデザイン、ポスター、本の挿絵などは、通常コマーシャルアートと呼ばれます。これらは、特定のターゲットに対して効率的にメッセージを伝えることを目的としています。

ただ、コマーシャルアートとファインアートの境界線を引くのは難しいことも多いです。例えば、中世ヨーロッパの肖像画は、たいてい顧客からの依頼を受けてモデルの良いイメージを伝えるために描かれたものでした。先ほどお伝えした定義ではコマーシャルアートに入るはずですが、美術館に今でも保存されている肖像画作品はファインアートとみなされていますね。

ただ、ポイントは、ファインアートの価値は効率的なメッセージの伝達によって評価されるものではないということですね。ファインアートとしての価値は、時を越える普遍性と強い関係があります。ファインアートのこの側面が、本質的に反ソーシャルメディア的だと私が考える点です。ソーシャルメディアでは、速く効率的なコミュニケーションが閲覧数を稼ぐためには不可欠です。

これは絵だけではなく、ダンス動画についても同じことが言えます。伝統的なダンスを30分かけて鑑賞する人は今はあまりいないですよね。30秒のインスタグラムのリール動画で、やっと観てもらえるかもしれません。

伝統的なアートを志すようなアーティストにとってのソーシャルメディアの落とし穴はここだと思います。再生回数を伸ばそうとすればするほど、自分のアートの核となる理念から遠ざかってしまうかもしれない、ということですね。


3.ソーシャルメディアはあなたの時間を食い尽くす。

毎日何度も投稿しないと、アルゴリズムに取り残されてしまう、とよく言われます。特に最近のインスタグラムはその傾向が強いですね。また、アルゴリズムが画像よりも動画を多く見せることが多いですね。ただ疑問なのは、毎日動画を作りながら、どうやってアートに没頭する時間を見つけられるの?ということですね。もちろん、実際に毎日動画更新を頑張っているクリエイターの方々のことは尊敬しているんです。ただ少なくとも私には、とても無理だなと思います。また、フォロワーにずっと発信し続けようとしたら24時間365日ソーシャルメディアのことを考えてしまうことになります。これもなかなか、疲れることだと思います。


4. ソーシャルメディアは変化を嫌う。

アルゴリズムは一貫性が大好きです。例えば、ある日は犬について投稿し、別の日は映画について投稿するのではなく、ずっと犬についての投稿だけをしたほうが取り上げてもらえます。だから、私のように色々な話題を取り上げるのは、その意味では完全にダメな例です。また、私も映画俳優の絵などを描くので、ファンアートの世界にはもちろん感謝しています。ただ、特にファンアートの世界は、特に「一つだけの題材を描き続ける」ことへの期待がことさら強いと思いますし、これは少し不自然なんじゃないかなと思うことがあります。創造性を守って育ててあげるためには、さまざまなテーマや、手段や、スタイルを試す、変化することがとっても大事なんですよね。ピカソのようなアーティストは、この変化する創造性の最高の例だと思います。


5.最後に、ソーシャルメディアでは基本的に相手の顔が見えない。

もしオフラインで自分の絵やダンスを誰かに見せれば、ほぼ間違いなく反応が返ってきますね。必ずしも好意的な反応ではないですし、素通りされることもあるかもしれません。ただ、少なくとも相手の顔は見えますよね。温かい反応を頂けることも多いです。しかし、インターネット上では、自分の作品に対して返ってくるのは完全な沈黙だけということもあります。誰かがあなたの作品を見たかどうかもわからない。「既読」の文字とアイコンは見えるけれど実感がない。虚空に向かって話しているような気分になるかもしれません。特に、何日もかけて一人で作品を作り上げ、ようやく完成させた後にこの沈黙に対すると、深い孤独を感じるかもしれません。


以上が、ソーシャルメディアがクリエイターにとって特に有害になりうると私が考える5つの理由です。どうすればもう少し楽になるのか?ソーシャルメディアのアカウントを消す以外の方法3つを考えてみました。


1.直接アートを共有する機会を増やす。

私の場合は、地域のアートの団体や展示会に参加して以来、ソーシャルメディアのことが以前ほど気にならなくなってきました。オンラインが私の主要なプラットフォームではなく、副次的なプラットフォームになったからだと思います。地元コミュニティへの帰属意識は本当に私を助けてくれました。また幸いなことに、こうした地元での活動はどれもとても手頃な値段でできるものでした。また、ダンスも助けになっています。地元のイベントでのベリーダンスパフォーマンス活動は、私にとって現実の生活で人々とのつながりを感じる方法でもあります。より社交的なアートの形で自分を表現することで、絵に取り組むときの孤独に対処しやすくなりました。


2.ソーシャルメディア活用の明確な目標と優先順位を設定する。

最優先の目標を3つ、かみに書き出すのがお勧めです。例えば、私の場合、ソーシャルメディアを利用する一番の動機は、自分の創造性を表現する場所を持つことです。2番目の優先順位は、自分の英語や日本語での表現力を向上させること。第三の優先順位は、自分が心から人とつながれる場所を築くことです。これらの優先順位を認識してからは、アルゴリズムや数字に対するストレスはかなり軽減しました。もちろん、より多くの視聴者を獲得できればありがたいですが、そのためにより高い優先順位を妥協するつもりはないことに気付いたのです。

逆に言えば、ビジネスの繋がりを広めることが最優先事項なのであれば、アルゴリズムを観方につける必要があると思います。こういう場合は、一人で悩まず、信頼できるウェブ販促のプロのサポートを求めるのも手かもしれないです。いずれにせよ、自分の目的は何なのか、明確に意識することで、感情に振り回される時間を減らすことができます。


3・より個人的な方法で発信する。

ニュースレターを使ったり、会員制のオンラインサロンやビデオチャットを使ったり、オンラインのフォロワーやコミュニティ・メンバーにメールを送ったり。これらの方法は、よりゆっくりと、より個人を対象にしたものです。オンライン上でも顔の見えない不特定多数ではなく、個々のつながりや会話により重点を置いたアプローチを増やすのも良いと思います。私は月に一度ほど、日本の映画ファンとアートの仲間とビデオ通話セッションをしています。これは自分のアートをオンラインで共有するモチベーションを保つのに役立っています。また、私にとっては、「いいね!」の数よりも、心のこもった1つのコメントの方がずっと重要だということも気づくことができました。


私が提案するのは主にこの3つです。もちろん、メンタルヘルスの基本、質の良い睡眠と日光浴も大切です。ソーシャルメディアの利用時間を制限するのも大事ですね。繰り返しになりますが、ネガティブな面をうまく回避することさえできれば、ソーシャルメディアを使って大きな実りを得ることもできます。


いかがでしたか?もし今日のエピソードを楽しんでいただけましたら、Apple PodcastsまたはSpotifyにレビューを書いていただけると大変励みになります。もちろん、説明文にあるコンタクトフォームから感想や今回のエピソードへのお返事を教えてくださるのも大歓迎です。

聴いて頂き本当にありがとうございました。それではまたお耳にかかれますこと楽しみにしております。



x参考リンク

Social Media Use and Mental Health: A Global Analysis<https://www.ncbi.nlm.nih.gov/pmc/articles/PMC9620890/>


WHY SOCIAL MEDIA IS AN EMOTIONAL CHALLENGE FOR ARTISTS<https://tylerxhobbs.com/essays/2020/social-media>


Commercial Art vs Fine Art (A Simple Comparison: The Differences & Similarities Between Fine Art & Commercial Artwork)

<https://pisnak.com/commercialart-and-fineart/>


ASK THE ART PROF: WHAT’S THE DIFFERENCE BETWEEN FINE ARTS AND VISUAL ARTS?

<https://claralieu.wordpress.com/2013/04/06/ask-the-art-professor-whats-the-difference-between-fine-arts-and-visual-arts/>



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